Aktuelle Ausgabe

Reflexionen zu Körperlichkeit und ästhetischer Erfahrung in der Lehrer*innenbildung der künstlerischen Fächer

Vorwort zur Ausgabe »körper bewusst«

Christina Griebel, Petra Kathke, Gundel Mattenklott, Constanze Rora

körper bewusst – Reflexionen zu Körperlichkeit und ästhetischer Erfahrung in der Lehrer*innenbildung der künstlerischen Fächer

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Einführung

Im März 2019 fand im Fach Kunst- und Musikpädagogik an der Universität Bielefeld die zweite interdisziplinäre Tagung zu hochschuldidaktischen Fragen in der Kunst- und Musiklehrer*innenausbildung statt. Initiiert und ausgerichtet von Prof. Dr. Christina Griebel (Karlsruhe), Petra Kathke (Bielefeld) und Constanze Rora (Leipzig) schloss sie an einen fünf Jahre zuvor begonnenen Dialog an. Während 2014 an der HMT Leipzig das Potenzial künstlerischer Lehre thematisiert wurde, stand 2019 die Frage im Mittelpunkt, welche Bedeutung dem Körper in der künstlerischen und musikalischen Hochschullehre zukommt, insbesondere dann, wenn sie auf die Ausübung eines Lehramts vorbereitet.

Das Thema hat ein gutes Jahr nach der Tagung auf unvorhersehbare Weise an Aktualität gewonnen. Auswirkungen der Covid-19-Pandemie zwingen dazu, auch künstlerische und musikalische Lehre auf eine Weise umzugestalten, die das direkte körperliche Miteinander ausschließt. Ein Virus und seine weltweite Ausbreitung lassen uns gerade erfahren, ja, in einer Art erzwungenem Selbstexperiment überprüfen, was es konkret bedeutet, ohne physischen Körperkontakt zu lehren. Die Situation wirft für jeden Einzelnen die Frage auf, was in der künstlerischen und musikalischen Hochschullehre ohne unmittelbares Beieinandersein geht und was nicht. Wie modelliert die Tatsache, dass gemeinsames Lernen in einem physisch miteinander geteilten Raum für eine noch nicht absehbare Zeitspanne unmöglich wird und sich der kommunikative Austausch einschließlich der subtilen körperlichen Bezugnahmen aufeinander nun auf den Rahmen einer Videokonferenz beschränkt, unsere Lehre und das Lernen miteinander? Wie weit werden Bedingungen und Möglichkeiten der genutzten Hardware die Art der Vermittlung und damit auch die Inhalte verschieben, anders akzentuieren? Und letztlich: Welche Auswirkungen wird der damit einhergehende Ausbau digitaler, nicht-interaktiver Lernformen auf die Universitäten und Hochschulen haben? Dies sind nur einige Fragen, die die im März 2019 verhandelten Themen im neuen Licht erscheinen lassen.

Insofern erfährt das Thema der Tagung, das angesichts der wachsenden Aufmerksamkeit für den Bereich der Körperlichkeit in den Künsten nahelag, bisher jedoch selten aus hochschuldidaktischer Perspektive fokussiert wurde, eine Überschreibung durch aktuelle Ereignisse. Da jedoch körperliche Präsenz und die Unmittelbarkeit handelnder Interaktionen auch in Zeiten voranschreitender Digitalisierung und dem vorhersehbaren Ausbau von Distance-Learning-Formaten unverzichtbare Voraussetzungen künstlerischer und musikalischer Lehr-/ Lernprozesse sind, werden uns die sich daraus ergebenden methodische Fragen weiterhin beschäftigen. Zudem gelten Körper-Welt-Bezüge im Rahmen Ästhetischer Bildung als Kern von Selbstbewusstheit und ästhetischer Sensibilisierung. Folglich sind Erfahrungen, die mit dem Körper gemacht werden, auch in beiden Schulfächern, Kunst und Musik, unverzichtbar. Tun und Können, aber auch Spüren und Empfinden stehen hier gleichwertig neben Wissen und Verstehen.

In der künstlerischen und musikalischen Hochschullehre ist, so die vorausgedachte Setzung, der eigene Körper sowohl Material künstlerischer Ausdrucksweisen wie auch Medium kunst- und musikpädagogischer Interventionen. Begriffe wie Einfühlung, Ausdruck, Haltung, Disziplin, Enthemmung, Verkörperung, Gestik, Zeigen, Selbst- und Fremdbezug deuten an, wie unterschiedlich die Interaktionen aller am Lernprozess Beteiligten in beiden Fällen grundiert sein können. Damit ist nicht nur die besondere Art der Handhabung von Dingen, seien es Instrumente, Werkzeuge und Materialien, gemeint, sondern auch die jeweilige Situiertheit von Körpern im Raum sowie deren (Re)Aktionen im bezugnehmenden Miteinander. Zugleich interessiert, ob und wie aktuelle Tendenzen in den Künsten, die auf die gesellschaftliche Bedeutung des Zusammenspiels von Körper, Raum und Zeit reagieren, sowie Aspekte gegenwärtiger Diskurse zu Fragen von Leiblichkeit, Körperlichkeit und Medialität in die Lehre einfließen und thematisch werden.

Zu dem in wenigen Worten skizzierten Themenfeld trafen auf der Tagung Beiträge von Vertreter*innen beider Künste in sechs Vortragsblöcken aufeinander. Ergänzt wurden sie durch performative und tanzpädagogische Positionen. Drei Workshop-Angebote zum Ausklang des ersten Tages ermöglichten körperbezogene Praxiserfahrungen, während musikalisch-performative Beiträge und eine Ausstellung künstlerischer Arbeiten zum Thema die theoretische Auseinandersetzung bereicherte. Letztlich bot sich den Teilnehmer*innen die Gelegenheit, Erfahrungen, Theorien und Ansätze aus der eigenen Lehrpraxis auszutauschen, diesbezügliche Forschungsinitiativen gegenseitig wahrzunehmen, fachspezifisch zu konturieren oder perspektivisch aufeinander zu beziehen. (Vgl. Carolin Ehring: „körper bewusst.“ Bericht über eine interdisziplinäre Tagung im Fach Kunst- und Musikpädagogik an der Universität Bielefeld. In: BDK-Mitteilungen 3/2019, S. 40–41.)

Die aus den Tagungsbeiträgen hervorgegangenen Texte in dieser Ausgabe der ZÄB bilden exemplarisch ab, wie und an welcher Stelle Körpererfahrungen in der Lehramtsausbildung Gegenstand der Aufmerksamkeit werden können. Sie verweisen zugleich darauf, welche körperabhängigen Formen agierender und reagierender Bezugnahme zwischen Lehrenden und Lernenden als implizite und selten reflektierte Signale Prozesse künstlerischen und musikalischen Lehren und Lernen maßgeblich mitbestimmen.

So verdeutlicht Matthias Vogel (Gießen), der den Eröffnungsvortrag hielt, in seinem Beitrag die Rolle der Körper bei ästhetischen Verstehensprozessen. Er arbeitet heraus, inwiefern Körperbewegungen das Medium bilden, in dem wir den Sinn eines ästhetischen Gegenstands erfassen. Auf welch unterschiedliche Weise der Körper darüber hinaus auch Medium künstlerischer Lehre und Forschung ist bzw. durch didaktische Fokussierungen zu einem solchen wird, thematisieren die sich anschließenden Beiträge von Marie-Luise Lange (Dresden), Christina Griebel (Karlsruhe), Notburga Karl (Bamberg) und Petra Kathke (Bielefeld). Sara Hornäk (Düsseldorf) geht in diesem Kontext auf Wechselwirkungen zwischen Körperlichkeit und Materialität im skulpturalen Handeln ihrer Studierenden ein. Während Lutz Schäfer (Heidelberg) Beziehungen zwischen Bewegung als anthropologischer Konstanze und Bewegung im künstlerischen Handeln fokussiert und insbesondere den Wechsel zwischen Nähe und Distanz in Kunst und Pädagogik untersucht, geht Uta Czyrnick-Leber (Bielefeld) der Frage nach, wie geschlechtsspezifische Sozialisation die Einstellungen von Sportstudierenden zum Tanz prägt. Um körperbezogene Reflexionen im Hinblick auf musikdidaktische Praxis und Theoriebildung geht es in den Beiträgen von Constanze Rora (Leipzig), Wolfgang Lessing (Freiburg), Christoph Khittl (Wien) und Dorothea Weise (Berlin), die dieses Verhältnis an je eigenen thematischen Schwerpunkten ausloten.

Abschließend vermitteln Text und Fotos einer Performance von Wolfgang Sautermeister (Mannheim) einen Nachhall des eindringlichen Erlebnisses vom Zusammenwirken zwischen Bild, Sprache, Körper und Raum.

Die Ausgabe wird ergänzt durch einen themenunabhängigen Beitrag von Juliane Gerland (Bielefeld), der Fragen der Inklusion mit der Individualität musikalischen Zeiterlebens in Verbindung bringt sowie einen Beitrag von Andreas Höftmann (Weingarten), in dem die Idee von Musikunterricht als ‚Fest der Sinne‘ aus dem Blickwinkel von Platons nomoi diskutiert wird.

Die Herausgeberinnen

1. April 20208. Mai 2020

Nicht ohne meinen Körper — Zur Erfahrung von Sinn in der bildenden Kunst und Musik

Matthias Vogel

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1 Einleitung

Liest man den Titel meines Vortrags, liegt einem vielleicht eine naheliegende Frage auf der Zunge: Wie denn sonst, wenn nicht mit deinem Körper? Schließlich sind wir körperliche Wesen, und natürlich sind all unsere Wahrnehmungen, Gefühle und Gedanken körperlich realisiert. Für uns, die wir aus dem Schatten Descartes’ getreten sind und nicht mehr glauben, dass geistige Wesen Substanzen sind, die wesentlich unausgedehnt und daher unkörperlich sind, hätte es gewissermaßen gar keine Pointe, darauf hinzuweisen, dass auch Prozesse des Verstehens von Kunst und Musik körperlich realisiert sind.

Im Kontext einer Tagung wie der unseren sollte man jedoch erwarten dürfen, dass ich einen Gedanken entwickle, der über die physikalistische Geschäftsgrundlage der heutigen Philosophie des Geistes hinausgeht. Und das ist in der Tat richtig, denn ich möchte eine spezifischere These vertreten, als die These, dass alle mentalen Phänomene körperlich realisiert sind.

1. April 20207. Mai 2020

around the gap – von Widerfahrnissen und Überraschungen morgens nicht zu ahnen, was man abends von sich weiß

Marie-Luise Lange

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Wir leben alle in dem Bewusstsein, ein kleines privates Ich zu sein – aber sobald man den Raum der Performance betritt, handelt man von einer höheren Ebene des Selbst aus, und man ist nicht mehr man selbst. Man ist nicht mehr das Ich, das man kennt. Man ist etwas anderes. (Marina Abramovic 2016, 83) Read more »around the gap – von Widerfahrnissen und Überraschungen morgens nicht zu ahnen, was man abends von sich weiß« →

1. April 20207. Mai 2020

Doppelt belichtet oder: Der Augenblick zwischen zwei Körpern

Christina Griebel

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Essay

„Beim Husten drehen meine Augen nach innen und ich sehe mein Gehirn, doch was vor mir droht sehe ich nicht mehr.“

Oswald Egger

Das poetisch-poetologische Oevre des Lyrikers Oswald Egger umkreist die Frage, „was ich sehe wenn ich denke was ich tue“ – und dieses Kreisen, das auch ein Tüpfeln oder Stricheln sein kann, wird sowohl in Worten als auch zeichnend mit feinem Tuschestift vollzogen – das vorgängige Bemühen, „eine Kunst in der Gestalt einer anderen [zu] begreifen.“[1]

1. April 20207. Mai 2020

Zeichnen als formende Sensibilisierung: Was Körper von Körpern lernen können.

Notburga Karl

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Eine Bewegung hinterlässt Spuren – ärgerlich in jedem Fall, wenn die weiß getünchte Wand am Möbel Schaden nimmt, doch umso willkommener im Kontext von Kunst als Beginn einer Artikulation: Schwungvoll, sensibel, distanzierend, registrierend – eine Linie charakterisiert noch vor jeder Formfrage zunächst sich selbst, sobald sie von einem Hintergrund sich abgrenzend – in der Regel einem Blatt Papier statt einer Wand – in Erscheinung tritt. Der Kunsttheoretiker Michael Lüthy spitzt dies noch zu, wenn er schreibt: „Das Ziehen einer Linie bricht das raumzeitliche Kontinuum (Lüthy 2016, 20).“ In Folge entstehen quasi aus dem Nichts zwei voneinander unterscheidbare Seiten, die es im ontologischen wie referentiellen Sinne vorher nicht gab. Dadurch wird das Zeichnen sogar zum „paradigmatischen Vermögen der Kunst“, indem „die Linie und ihr elementares Unterscheidungsvermögen nichts ist, was der Natur selbst entnommen werden kann“ (Lüthy 2010, 155). Zeichnen ist autopoetisch.[1]

1. April 20207. Mai 2020

Bewegte Körper und zweierlei „Gesten des Machens“ — Praktiken des Forschen mit ästhetischen Mitteln im kunstpädagogischen Feld

Petra Kathke

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1. Körperbewegungen repräsentieren

Die 2012 entstandene Arbeit „Cold veins, warm light“ des Berliner Konzeptkünstlers Johannes Wald[1] zeigt einen ausschnitthaft projizierten männlichen Oberkörper, genauer die sich in leichten Wölbungen über die Muskulatur spannende Haut mit der linken Brustwarze. Den Rezipient*innen vor Ort steht die mit Hilfe zweier Kanthölzer wie ein Spiegel positionierte Platte, auf der das Körperfragment erscheint, vis-à-vis gegenüber. Erst beim aufmerksamen Betrachten und Fokussieren der Brustwarze oder eines Leberflecks wird deutlich, dass es sich um die Projektion eines Videos, nicht um die einer Fotografie handelt. Am zunächst kaum merklichen Ausdehnen und Zusammenziehen der Haut – Oberfläche eines menschlichen Körpers, die auf der Oberfläche des Steins den Eindruck subtiler Verlebendigung hervorruft – zeigt sich, mit Hartmut Rosa formuliert, der wohl basalste Akt des Lebens schlechthin, der als elementarer Prozess des Stoffwechsels für die Weltbeziehung des Menschen, für sein In-die-Welt-Gestellt-Sein fundamental ist: sein Atmen (Rosa 2016, S. 92).

1. April 202021. Juli 2020

Auf dem Kissen — Plastizität im Kontext von Berühren, Begreifen und Formen

Sara Hornäk

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Sitzsäcke und Passstücke

1. April 20203. August 2020

Malen gehen — Bewegungsmotive in Kunst und Pädagogik

Lutz Schäfer

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Abb. 1: Projekt Schattenmalerei in der Kunstwerkstatt für Kindergartenkinder, Pädagogische Hochschule Karlsruhe (Agnes Einig, Tabea Fritz und Nicole Pätzold)

In der Schule herrschen bezüglich des Raumangebotes für alle Schüler*innen in allen Fächern gleiche Bedingungen. Eine Sonderrolle nimmt das Fach Sport ein, für das gesonderte Normen formuliert sind. Diese Ordnung bildet gesellschaftliche Vorstellungen vom Sich-Bewegen ab, deren anthropologische und soziologische Wurzeln hier dargestellt werden sollen. Eine differenzierte Betrachtung soll die Gefahren eines beschränkten Bewegungsbegriffs aufzeigen, der in unserer Gesellschaft zu einem zunehmenden Verlust menschlicher Qualitäten führt, die gerade in künstlerischen Handlungen eine zentrale Rolle spielen.

1. April 20207. Mai 2020

Körperliche Fremdheitserfahrungen in der Lehramtsausbildung am Beispiel Tanz – „Gegenderte“ Fachkulturen in Bewegung

Uta Czyrnick-Leber

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Auf den ersten Blick scheint es selbstverständlich, dass bei einer Tagung zum Thema „Körperlichkeit und ästhetische Erfahrung in der Lehrer*innenbildung der künstlerischen Fächer“ der Tanz nicht fehlen darf, steht der Körper als Ausdrucksmedium hier doch selbst im Fokus. Auf den zweiten Blick wird allerding deutlich, dass es Tanz als eigenes künstlerisches Fach in der Lehramtsausbildung – zumindest in NRW – in der Regel gar nicht gibt.

„Im Allgemeinen ist Tanz in allen Schularten und -stufen im Fachunterricht von Sport und Musik, teilweise auch im Fach Darstellendes Spiel curricular verankert. Im Rahmen dieser Fächer hat Tanz allerdings kaum eine eigenständige Bildungsrelevanz entfalten können, sondern blieb den fachdidaktischen Zielen des jeweiligen Faches untergeordnet.“ (Fleischle-Braun 2013, S. 5)

1. April 20207. Mai 2020

Dirigieren als Zeigen lehren

Constanze Rora

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1) Anleiten musikalischer Praxis als Lernfeld im Schulmusikstudium

Schüler zu musikalischer Praxis anzuleiten, impliziert eine Vielzahl an Tätigkeiten und erfordert mit diesen verbunden vielfältige Fähigkeiten des Lehrenden. Dabei unterscheidet sich eine musizierende Schulklasse in mehrerlei Hinsicht von einem Musikensemble, wie einem (Schul)Chor oder einem (Schul)Orchester. Für das Klassenmusizieren ist kennzeichnend, dass es in seinen Formen und Gegenständen in höherem Maße variiert, als dies bei feststehenden Ensembles der Fall ist: Heute kann es z.B. darum gehen, einen Popsong mit einem Becherspiel zu begleiten, morgen darum, auf Stabspielen mit der Bluestonleiter zu improvisieren und übermorgen soll vielleicht ein Kanon gesungen werden. Diese Vielfalt erklärt sich aus der besonderen Zielperspektive des Klassenmusizierens, das von Hermann Josef Kaiser als Hinführung zu verständiger Musikpraxis aufgefasst wird. (Kaiser 2001, 2010, 2011) Damit ist gemeint, dass das Klassenmusizieren auf Erfahrungen zielt, mit denen sich die Schüler ein artikuliertes Verhältnis zu ihren eigenen Musikpraxen aneignen: Sie sollen wissen, warum sie was wann mit wem tun und verschiedene Möglichkeiten musikalischer Praxis nicht nur kennenlernen, sondern zu ihren individuellen Musikpraxen ins Verhältnis setzen.

1. April 20207. Mai 2020

Körper-Leib-Instrument — MusikInstrumentalpädagogische Überlegungen zu einer komplexen Beziehung

Wolfgang Lessing

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Yussuf revisited

Eine kurze Vorbemerkung: Zu Beginn meines Beitrages „Üben als Handeln“ (Lessing 2018) dokumentierte ich eine Unterrichtssequenz, die ich im Rahmen meiner instrumentalpädagogischen Ausbildungstätigkeit an der Dresdner Musikhochschule beobachten konnte. Wenn ich in dem vorliegenden Text noch einmal auf diese Sequenz zurückkomme, so soll damit keineswegs der Gedankengang jenes Beitrags wiederholt werden. Vielmehr scheint mir die beobachtete Szene in Hinblick auf das Dreiecksverhältnis von Körper, Instrument und Musik einen Facettenreichtum aufzuweisen, der mit dem älteren Text noch keineswegs abgegolten ist. Daher seien auch die folgenden Überlegungen mit dieser Sequenz eröffnet:

„Eine Szene aus dem instrumentalen Gruppenunterricht, beobachtet in einer Dresdner Grundschule: vier Kinder im Alter von zehn Jahren haben die erste Gitarrenstunde ihres Lebens. Die Stimmung ist ausgelassen und fröhlich. Schnell haben alle ihre neuen Instrumente ausgepackt und steuern erwartungsvoll auf ihre Plätze im Sitzkreis zu. Dabei „spielen“ sie unablässig auf ihren Instrumenten. Yussuf hat die Gitarre eng an seinen Bauch gepresst und macht ein starkes Hohlkreuz; dazu bewegt er rhythmisch den Hals des Instruments nach oben und unten. Zweifelsohne imitiert er die exaltierte Pose eines Rockgitarristen. Mit seiner rechten Hand schlägt er schnelle Arpeggien auf den leeren Saiten an, während er mit starken Grimassen, verzerrter Stimme und verdrehten Augen ein paar Töne auf Fantasiesilben singt. Das Lachen der anderen Kinder animiert ihn, seine Performance fortzusetzen und auszubauen. Nur mit Mühe gelingt es dem Lehrer – einem Studenten, der erstmalig eine Gruppe unterrichtet –, ihn zu unterbrechen und die Gruppe zur Ruhe zu bringen. Im weiteren Stundenverlauf kommt es immer wieder zu Momenten, in denen die Kinder die von Yussuf so eindrücklich vorgemachte Pose des Rockgitarristen ihrerseits zu imitieren versuchen, wobei der Lehrer dies stets zu unterbinden versucht. Und zwar nicht allein aus disziplinarischen Gründen, sondern – wie er im Nachgespräch äußert –, um die Kinder von vornherein vor einer „falschen“, physiologisch völlig ungeeigneten Gitarrenhaltung zu bewahren. Inhaltlich erscheint die Stunde nahezu als Kontrastprogramm zu Yussufs fulminantem Auftritt. Den Kindern wird eine angemessene Sitzhaltung gezeigt, sie erlernen den Gebrauch der Fußbank und erfahren, wie sie selbst zu Hause kontrollieren können, ob sie ihre Gitarre „richtig“ halten. Auch über den Anschlagswinkel der rechten Hand wird kurz gesprochen. Am Ende der Stunde erhalten sie die Aufgabe, ein gleichmäßiges Metrum auf der D-Saite zu spielen und dazu ein Volkslied (Bunt sind schon die Wälder) zu singen, was nicht ganz einfach ist, weil niemand das Lied kennt und das Lernen von Text und Melodie mehr Zeit beansprucht, als der Student veranschlagt hatte.

1. April 20207. Mai 2020

Ent-Bildung und Ent-Didaktisierung ästhetischer Bildung – ein paradoxes Vorhaben?

Christoph Khittl

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Der Begriff Ent-Bildung, das hier skizzierte Ent-Bildungsprojekt sowie die Idee einer Ent-Didaktisierung ästhetischer Bildung bedürfen einer Erklärung und Herleitung. Denn insbesondere der Ent-Bildungsbegriff ist durchaus komplex und muss in seiner Vielschichtigkeit dargestellt, re-konstruiert und neu entwickelt werden. Zugleich erscheint (mir) der Begriff derart tragfähig und vielversprechend, dass daran die Idee eines Ent-Bildungsprojekts geknüpft und vorgestellt wird. Auch scheint die Idee der Ent-Bildung dazu beizutragen, die unübersichtliche und endlos erscheinende Diskussion um den Bildungsbegriff um eine neue Variante zu bereichern jenseits der Diskussion, ob und wie man ihn überhaupt (noch) gebrauchen sollte.

1. April 20207. Mai 2020

Das körperbezogene Bildungskonzept der Rhythmik

Dorothea Weise

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Im Modul „Musikalische Gruppenarbeit“ biete ich für Lehramts-Studierende Musik an der Universität der Künste Berlin die Veranstaltung Rhythmik an. Diese kann nach einem einsemestrigen Grundkurs mit einem Kurs zur Gruppenleitung fortgeführt und weitergehend insgesamt über vier Semester als Profil belegt werden. Die Ankündigung zum Grundkurs Rhythmik lautet: „Im Mittelpunkt der Veranstaltung steht ein bewegungsorientierter Zugang zu Musik. Die Verfeinerung der Wahrnehmung, Exploration und Gestaltung in Bewegung bilden dabei wesentliche Erfahrungs-, Aktions- und Interaktionsräume für die Gruppe. Musik wird im Hinblick auf ihre Gestaltungselemente wie z. B. Phrasierung, Dynamik, Artikulation, Rhythmus, Formgebung physisch erfahren und der Prozess des Hörens erweitert sich zu einem körperlichen Akt — The Listening Body.“

1. April 20207. Mai 2020

Zeit für Inklusion? — Überlegungen zur Relevanz von Zeit, Inklusion und Musik für ein gelingendes Leben

Juliane Gerland

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Einleitung

Die Auseinandersetzung mit dem Phänomen Zeit gilt als anthropologische Universalie (vgl. Fraser 1992). Verschiedene Aspekte dieser Auseinandersetzung sind in allen bekannten Kulturen präsent: das Organisieren und Beschreiben von Zeit in Zeiteinheiten, die Angaben von Zeitdauern, lineare und zyklische Zeitkonzepte. Die Interpretation von Zeit und ihrer Bedeutung für den Menschen findet in unterschiedlichen Disziplinen und dort jeweils sehr differenziert statt. Verschiedene mythologische Erzählungen sowie philosophische und soziologische Diskurse verdeutlichen die Relevanz von Zeit und Zeiterleben für ein als gelingend empfundenes Leben. Im Kontext von Behinderung erfährt die Bedeutung von Zeit und ihrer persönlichen und selbstbestimmten Verwendung noch einmal eine zusätzliche Dimension, da behinderungsbedingt sowohl das Zeiterleben als solches als auch die selbstbestimmte Zeitverwendung von den Standards einer sich stetig beschleunigenden Gesellschaft (Rosa 2005) erheblich abweichen können.

1. April 20207. Mai 2020

Gelingendes Leben als Begeistertsein und Jüngerwerden im Fest – Platons Gesetze und die Idee eines Musikunterrichts als „Fest der Sinne“

Andreas Höftmann

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Vorweg

Als Christoph Richter auf der 16. Bundesschulmusikwoche in Ludwigshafen 1986 das Verhältnis von Arbeit, Freizeit und Fest aus musikpädagogischem Gesichtswinkel problematisierte, nahm er nicht nur den Musikunterricht kritisch ins Visier, sondern das gesamte Bildungswesen. Anders als Richter werde ich im weiteren Verlauf meiner Überlegungen nicht die große Frage stellen: Brauchen wir eine andere Schule? (vgl. Richter 1986a, S. 40; 52–56. = 1986b, S. 107; 128–133.) Ebenso wenig untersuche ich die Eigenart von musikalisch erfüllten Schulfesten, wiewohl es reizvoll wäre, die Sinnhaftigkeit und Sinnlichkeit solcher Rituale genauer zu betrachten. Ich konzentriere mich allein auf den schulischen Unterricht im Fach Musik. Read more »Gelingendes Leben als Begeistertsein und Jüngerwerden im Fest – Platons Gesetze und die Idee eines Musikunterrichts als „Fest der Sinne“« →

1. April 20207. Mai 2020

Zu den Autoren

der ZÄB-Ausgabe körper.bewußt

Uta Czyrnick-Leber, Dr. phil., ist Studienrätin im Hochschuldienst in der Abteilung Sportwissenschaft der Universität Bielefeld und dort Fachleiterin für den Bereich Tanz. Im Rahmen der Fachkulturforschung reflektiert sie theoretisch und empirisch insbesondere die feld- und geschlechtsbezogenen Habitualisierungsprozesse von Sportstudierenden.

Juliane Gerland studierte klassische Gitarre und Elementare Musikpädagogik sowie Musiktherapie. 2014 wurde sie an der Fakultät Rehabilitationswissenschaften der TU Dortmund im Fach Musikpädagogik und Musiktherapie in Rehabilitation und Pädagogik bei Behinderung promoviert. Von 2015–2018 war sie Juniorprofessorin für Kulturelle Bildung & Inklusion an der Universität Siegen, seit 2018 ist sie Professorin für Musik in kindheitspädagogischen und sozialen Handlungsfeldern an der FH Bielefeld. Dort leitet sie seit 2019 den Studiengang Pädagogik der Kindheit. Gegenwärtige Arbeits- und Forschungsschwerpunkte sind: inklusionsorientierte Entwicklung in Musikschulen, Differenz im Musizierunterricht, Interaktion und Kommunikation beim Gemeinsamen Musizieren.

Christina Griebel, Professorin für Kunstdidaktik und Bildungswissenschaften an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste; Studium der Malerei an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe bei Horst Antes; Studium der Germanistik an der Universität Karlsruhe; Promotion „Kreative Akte. Fallstudien zur ästhetischen Praxis vor der Kunst“. 2008–2015 Professorin für Kunst und ihre Didaktik an der Pädagogischen Hochschule Heidelberg, 2011–2014 abgeordnet an die Universität der Künste Berlin, seit 2015 an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe. Seit 2001 literarische Veröffentlichungen und Auszeichnungen. Forschungsschwerpunkte (Auswahl): Narration und Poetik in Formaten künstlerischer Bildung; Theorie und Praxis des Essays, Kritische Kunstvermittlung in Hochschule und Museum.

Andreas Höftmann, Dr. phil., Studium der Schulmusik, Geschichte und A-Kirchenmusik in Berlin, Halle/Saale, Göteborg und Piteå (Schweden), Referendariat und kirchenmusikalische Tätigkeit in Berlin, seit 2012 Studienrat für Musik und Geschichte im Großraum Stuttgart, seit September 2019 abgeordnet an die Pädagogische Hochschule Weingarten. Arbeitsschwerpunkte: Musikpädagogische Ideengeschichte mit Schwerpunkt Antike, Klassenmusizieren, Digitales Lernen und ästhetische Transformation von Musik in Film.

Sara Hornäk, Professorin für Didaktik der Bildenden Künste an der Kunstakademie Düsseldorf, von 2006–1018 an der Universität Paderborn, von 2018–2020 an der Universität Siegen, Arbeitsschwerpunkte: Skulpturales Lehren, Entwicklung des plastischen und räumlichen Gestaltens bei Kindern und Jugendlichen, Theorien künstlerischer Praxis, künstlerische und kunstpädagogische Forschung, Materialdiskurse, ästhetische Grundlegung der Kunstpädagogik, Kunstpädagogik und Inklusion. Auswahl Publikationen: Hornäk, Sara (Hg.): Skulptur lehren. Künstlerische, kunstwissenschaftliche und kunstpädagogische Perspektiven auf Skulptur im erweiterten Feld. Fink Verlag, München 2018; Hornäk, Sara/ Henning, Susanne/ Gernand, Daniela (Hg.): In der Praxis. Inklusive Möglichkeiten künstlerischen und kunstpädagogischen Handelns. München, kopaed Verlag, 2020.

Notburga Karl, künstler.-wiss. Mitarbeiterin in der Didaktik der Kunst, Universität Bamberg. Meisterschülerin von Jannis Kounellis; Entwicklungs- und Instandhaltungsarbeiterin als Künstlerin, Kunstpädagogin und Kuratorin. Forschungsschwerpunkte: Performanz und Responsivität nonverbaler Wissensformen, künstlerische Kunstvermittlung und deren Beforschung. Promotion zu Joan Jonas und ihrem spezifischen Bildumgang in Videoperformances.

Petra Kathke, Professorin für Kunstpädagogik an der Universität Bielefeld, zuvor an der Pädagogischen Hochschule Schwäbisch Gmünd und der UdK Berlin. Arbeits-und Forschungsschwerpunkte: Theorie und Praxis künstlerischer Lehr-/ Lernprozesse; Kunstunterricht in der Grundschule; Ästhetische Bildung als Bezugsfeld kunstpädagogischen Denkens; Materialität und Medialität kunstdidaktischer Interventionen in Lehre und Forschung. Aktuelle Publikation (Hg.): Vom Schatten aus … Denk-und Handlungsräume in Kunst-und Kunstpädagogik. Hannover fabrico 2019.

Christoph Khittl, Univ. Prof. für Musikpädagogik an der Univ. für Musik und darstellende Kunst Wien. Arbeitsschwerpunkte: Musikanthropologie zwischen Musikwissenschaft und Musikpädagogik; Musikalische Rezeptions-, Produktions– und Improvisationsdidaktik; Philosophie der Musikpädagogik; Entwicklung einer Theorie der „Musikalischen Situation“ in bildungstheoretischer und musikdidaktischer Perspektive.

Marie-Luise Lange, Professorin für Theorie künstlerischer Gestaltung an der TU DresdenArbeits- und Forschungsschwerpunkte: Kunst der 1. und 2. Moderne, Gender/ Queer/ Diversity in Kunst, Alltag und Werbung, Ästhetik und Bildung des Performativen, Geschichte, Theorie und künstlerische Praxis von Aktionskünsten, Urban Performance und Kunst im öffentlichen Raum, Strategien ästhetischer/ künstlerischer Forschung, Kunst und Politik. Auswahl Publikationen: Lange, Marie-Luise (Hrsg.) act.move.perform. Performance und Performativität in Kunst, Bildung und Forschung, Hannover 2019 // Torsten Meyer (Hrsg.) Kunstpädagogische Positionen. Lange, Marie-Luise: I’m here. Ästhetische Bildung als Präsenz, Ereignis, Kommunikation, Aufmerksamkeit und Teilhabe. Heft 28. Hamburg 2013.

Wolfgang Lessing studierte Violoncello, Schulmusik, Germanistik und Philosophie in Frankfurt und Berlin. Nach langjähriger Tätigkeit an der Hochschule für Musik Carl Maria von Weber Dresden, lehrt er seit dem Wintersemester 2018/189 das Fach »Allgemeine Instrumental- und Gesangspädagogik« an der Hochschule für Musik Freiburg (Br.).

Constanze Rora, Professorin für Musikpädagogik und –didaktik an der Hochschule für Musik und Theater „Felix Mendelssohn Bartholdy“ Leipzig. Ihre Arbeits- und Forschungsschwerpunkte liegen im Bereich der Ästhetischen Bildung unter besonderer Berücksichtigung phänomenologischer Perspektiven. Neuere Buchveröffentlichungen: als Herausgeberin mit Stefan Roszak “Ästhetik des Unscheinbaren. Annäherungen aus Perspektiven der Künste, der Philosophie und der Ästhetischen Bildung.“ (2013) und mit Martina Sichardt „Gesten gestalten. Spielräume zwischen Sichtbarkeit und Hörbarkeit“ (2018)

Lutz Schäfer, Studium der Bildhauerei, Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe; Professor für Kunst und ihre Didaktik an der PH Karlsruhe; Forschungsschwerpunkt Frühe ästhetische Bildung

Matthias Vogel ist Professor für Theoretische Philosophie am Institut für Philosophie an der Justus-Liebig-Universität in Gießen. Veröffentlichungen u. a.: Medien der Vernunft. Eine Theorie des Geistes und der Rationalität auf Grundlage einer Theorie der Medien, Frankfurt/M. Suhrkamp 2001; Wissen zwischen Entdeckung und Konstruktion. Erkenntnistheoretische Kontroversen, hg. gemeinsam mit L. Wingert, Frankfurt/M.: Suhrkamp 2003; Musikalischer Sinn. Beiträge zu einer Philosophie der Musik, hg. gemeinsam mit A. Becker, Frankfurt/M.: Suhrkamp 2007; Geist und Psyche. Auf dem Weg zu einer integrativen Theorie des Mentalen, Berlin: Suhrkamp (fc.).

Dorothea Weise ist Professorin für Musik und Bewegung / Rhythmik an der Universität der Künste Berlin. In ihrer Arbeit gilt ihr Hauptinteresse der künstlerisch-ästhetischen Wahrnehmungs- und Ausdrucksdifferenzierung in der Auseinandersetzung mit der dialogischen Verknüpfung von Musik und Bewegung. Sie veröffentlicht regelmäßig Fachartikel zu Praxis und Theorie der Rhythmik. 2019 erschien „Rhythmik — Musik und Bewegung. Transdisziplinäre Perspektiven“ (Hg. Steffen-Wittek / Weise / Zaiser).

1. April 20207. Mai 2020